El amigo Pons me manda el siguiente mensaje:
EL BOSQUE DEL LOBO
AÑO: 1971
PAÍS: ESPAÑA
87 MINUTOS
INTÉRPRETES: JOSÉ LUIS LÓPEZ VAZQUEZ, ALFREDO MAYO.
DIRECCIÓN: PEDRO OLEA
GUIÓN: PEDRO OLEA, JUAN ANTONIO PORTO
TERROR/DRAMA.
SINOPSIS
Benito Freire es un buhonero que vive rodeado en la pobreza. Sobrevive gracias a la venta ambulante, en ocasiones tiene espasmos causados por ataques epilépticos.
CRÍTICA
Pedro Olea es un eficiente director con una solida filmografía donde no faltan éxitos puntuales. El maestro de esgrima es de sus trabajos más reconocidos a nivel taquillero y crítico. En el género de terror quisiera destacar Akelarre (1984). Curiosa cinta de brujería de indudable encanto.
Reconozco que fuera de las excepciones nombradas, no he seguido demasiado su trayectoria. Tampoco me parece que su obra destaque por encima de la media. Esto no es óbice para que uno de sus trabajos me conquistara de principio a fin, en una de sus primeras incursiones contaba con el protagonista de la cabina, el recientemente fallecido José Luis López Vázquez. En un salto mortal, le daba un papel ciertamente dramático a un actor especializado en comedia, atreviéndose con la obra maestra literaria de Carlos Martínez-Barbeito que se basaba a su vez en un hecho real.
La decadencia mostrada en pantalla te embarga en un mundo subdesarrollado de creencias y personajes que oscilan en la pobreza extrema, el buhonero con una interpretación soberbia de Vázquez es un psicópata victima de si mismo acomplejado por ser diferente en un clima anclado en la sin razón. Epiléptico tratado directamente con desconfianza. Un endemoniado dicen, haciendo que finalmente actúe de esa manera creyéndose un lobo. Además tachado de homosexual, siendo victima de diversas burlas en su juventud. Todo ello le lleva a convertirse en uno de nuestros venerables asesinos en serie, ya que no fueron pocas sus víctimas.
Olea plantea esta complicada trama con gran acierto en sus localizaciones, sin grandes alardes técnicos en fotografía o movimientos de cámara. Siendo su sencillez todo un acierto otorgándole ese aire aséptico y seco en tan lúgubres territorios acercándonos a un aspecto rural ciertamente desolador.
La maravillosa banda sonora brilla en sus momentos álgidos, siendo en definitiva una envolvente cinta rodada con clasicismo en una espiral de tristeza y horror notablemente inspirada. Mucho más reciente es Romasanta aunque solo se le parezca remotamente, toma prestada la misma narración.
Lo Mejor: Un majestuoso López Vázquez.
Lo Peor: Tal vez sea algo densa.
Un 8.
Si alguien quiere ver un trozo de la parodia que se han marcado los de South Park con Avatar, está en La Cueva de Payán, con un breve comentario mío sobre el asunto.
El otro día, charlando telefónicamente con una colega periodista que trabaja en informativos en una cadena nacional, me dice que los picos de audiencia bajan en barrena en los telediarios de todas las cadenas cuando se abordan temas de internacional, por comparación con las estratosféricas subidas que experimentan cuando se habla de deportes o de tragedias cotidianas y sucesos varios, asesinatos, violaciones, violencia de género, etcétera.
Buenas, esta semana, recuperado ya de mi ataque galopante de filibusterismo anti-crisis(vamos que pienso mirar con lupa en qué me gasto los cuartos) vuelvo al ataque con mis ilustraciones chorras y frikis. La primera de ellas es una escala de los monstruos más famosos de ayer y hoy. ¿Nunca se han preguntado qué tamaño exacto tiene King Kong y si le puede o no meter de hostias al bicho baboso de Cloverfield (señores traductores Monstruosas son las bobadas de títulos que se inventan ustedes)? Hala, pues ahí tienen esta interesante escala de tamaños que debería figurar en cualquier hogar y aula de colegio.
La siguiente fotillo la tomaron las cámaras de tráfico de Gotham City. El accidente se produjo en el día de autos (nunca mejor dicho) entre la calle Robinson y el parque Infantino, o así. Tenían ustedes que oir la bronca y los berridos que pegaban los implicados."Que si eres un bujarrón de orejas puntiagudas que no sabe conducir", "Y tú tienes el nombre de una mosca cojonera", "Con razón dicen que los murciélagos no ven", "Le voy a decir a mi chófer que te de una mano de hostias y te advierto que es Bruce Lee y las da como panes", etcétera. Una risa.
Por último una portada curiosa de un libro de Andre Norton publicado en 1972. Otra cosa que me gustaría ver por aquí, incluso aunque fuera una edición cochambrosa en inglés. Lo malo es que hay algunos libritos de estos con un papel tan malo que huelen como si un gorila de montaña los hubiera usado como papel higiénico.
Lo que es la vida. Hace un mes volví a ver El halcón y la presa, de Sergio Sollima, y llevaba tiempo buscando por todas partes su secuela, Corre, cuchillo, corre, y mira por donde esta misma mañana estoy a medio desayuno y con la tostada en la boca cuando me llama mi hermano para decirme que la van a poner en el canal de TDT 8 Madrid. Así que disparado al vídeo, a buscar una cinta de VHS y a grabar y ver la perseguida película.
El resultado es que me lo he pasado como un crío rememorando mis años mozos, cuando con 14 o 15 años nos metíamos en un cine a ver programas dobles en sesión continua y el amigo Cuchillo era como alguien de la familia, un antihéroe cercano con el que nos podíamos identificar, porque, claro, ser 007, John Wayne o Robert Mitchum nos pillaba lejos, pero a Tomás Milian le teníamos más cerca, y a Manuel Gómez, alias Cuchllo, ya no digamos.
El caso es que la película fue un eco del éxito conseguido por otro clásico del spaghetti western, o western mediterráneo, El halcón y la presa, dirigida por el mismo Sollima en 1966. En aquella ocasión, el protagonismo lo compartían Lee Van Cleef y Tomás Milian, que interpretaba a un Cuchillo convertido en presa, perseguido durante toda la película por el cazador de recompensas gringo que era una recreación muy próxima al personaje interpretado por Van Cleef en La muerte tenía un precio.
Sollima supo ver el potencial que tenía en esa película Milian y su personaje, el escurridizo mejicano Cuchillo, que además se ganaba la simpatía del público con la misma facilidad con que eludía a sus perseguidores gritando: ¡Cuchillo se va!
Y se iba. Vaya si se iba.
Así que no dudó en darle el protagonismo casi absoluto en esta segunda peripecia rodada en 1968 donde el director puso de manifiesto nuevamente su talento para explotar las claves del spaghetti western con una facilidad y una sencillez que le ponen en lo más alto del género junto al maestro del asunto, Sergio Leone. Podríamos decir que los dos Sergios del western mediterráneo son como las dos caras de una misma moneda. Leone sería el más complejo en sus tramas y personajes, el más operístico en sus planteamientos visuales, el más empeñado en construir un microcosmos propio con su propia mitología partiendo de la mitología y las claves de un género ajeno, el western americano. En algunas ocasiones prolongará las escenas de duelo intentando llevar la espectador a un estado de catarsis donde la música de Ennio Morricone, que también puso su talento al servicio de Sollima pero en otras claves, incrementa la tensión de la escena hasta llevarla casi a los niveles de una tragedia griega en toda regla, una ceremonia en torno a la muerte.
Frente a este planteamiento, Sollima se decantará hacia una aplicación más simple y popular de las claves del spaghetti western que bien puede ejemplificar el personaje de Cuchillo y en estas dos películas están a medio camino entre el trabajo de autor de Leone y la explotación del género por la vía humorística del que serían el máximo exponente las aventuras de Terence Hill y Bud Spencer como Trinidad. Por otra parte a esta nueva aventura de Cuchillo, personaje esencial para el género hay que añadirle cierta aproximación, aunque no diría yo clara pertenencia, a esa otra corriente que marcó el spaghetti western con claves políticas izquierdistas, y que hizo de la revolución mejicana el entorno ideal para hacer pasar por debajo de la puerta de las aventuras y la acción del cine de género una serie de ideas y consignas que quedaron especialmente ejemplificadas en Yo soy la revolución, dirigida por Damiano Damiani en 1966, aunque Corre, Cuchillo, corre, toca el asunto desde un punto de vista más populista, buscando la identificación de la clase trabajadora, que era el público de referencia para el spaghetti western en
Precisamente si algo se advierte en Corre, Cuchillo, corre, es el talento de Sollima para trabajar la sencillez desde la elegancia en su tratamiento del espacio, en lo referido a los encuadres. Su manera de encuadrar en secuencias como la que muestra a Cassidy capturando al francés con el molino en el que torturan a Cuchillo al fondo, o las que muestran la entrada de Cassidy en la imprenta buscando los 3 millones en oro de Juárez son toda una lección de cómo encuadrar de manera solvente, eficacísima, capaz de situar la mirada del espectador correctamente dentro de la escena.
Finalmente está el entrañable personaje de Cuchillo, que en esta ocasión muestra aún más las características que le acercan a los pícaros de la literatura española del siglo de oro, y como ellos esconde un turbio y oscuro carácter bajo las bromas que caracterizan sus aventuras. Así, cuando le torturen para sacarle información (algo de sadomasoquismo hay en la fórmula de Sollima para estas peripecias de Cuchillo), él explicará: “Matar a un hombre es como hacer el amor a una mujer. Hay que poner amor, pasión, sentimiento”, aunque más tarde le explique a Cassidy: “Yo soy el hombre más pacifico del mundo. Si hubiera nacido en otro momento el cuchillo sólo lo habría usado para cortar el pan”.
En el fondo Cuchillo es un antihéroe que vive la fórmula del viaje del héroe como un mendigo marrullero pero con gran capacidad para la superviviencia, capaz de conocer mujeres y vivir aventuras como un Sancho Panza con indudables instintos asesinos que de repente se ve convertido en el protagonista de la trama. Es ese antagonista reciclado en protagonista que completa su viaje por ese arco de desarrollo, iniciado con El halcón y la presa, en esta segunda película donde su asociado yanqui, Cassidy, que viste de negro como un eco del Lee Van Cleef de la primera entrega pero en el fondo es como un Terence Hill venido a menos con cara de mala leche. Y todos sabemos que Terence Hill de mala leche es menos Terence Hill que cuando desenfunda la sonrisa y los ojillos traviesos del pícaro, porque Terence Hilll, como Cuchillo, simplemente no puede tomarse en serio, son ese tipo de personajes que viven a la sombra del humor negro que enfunda vidas errantes teñidas de pequeñas tragedias cotidianas.
Por cierto, la música la firmó Bruno Nicolai, pero Sollima afirma que Ennio Morricone también había metido mano en el asunto, así que ahí dejo un vídeo de youtube con la banda sonora para que cada cual saque sus conclusiones.
Miguel Ángel García de la Calera Elizarralde se ha confeccionado una buena página para presentar su corto, Memorias de atracos, que se autodefine como "un cortometraje de suspense y tensión". Si alguien quiere saber más del asunto puede entrar en su página y ver el trailer y otras cosas simplemente pinchando en la dirección...
Pues eso, que el otro día estuve viendo 2012 y sobre lo que me pareció y no me pareció he escrito una crítica titulada La madre de todas las catástrofes en la web de la revista Acción. Como la película -que me gustó, aunque...- tiene mucha miga y el propio cine de catástrofes me sugiere algunas cosas más a título personal, también he posteado un comentario sobre el asunto en mi blog de la revista Acción, La Cueva de Payán, con el título Cine de catástrofes: la rebelión de la naturaleza y la demolición de los símbolos. De manera que ayer casi me tiré toda la tarde dándole vueltas al catastrofismo, el milenarismo, el miedo colectivo, la religión y otras piezas de este puzzle, y el resultado de todo ello podéis encontrarlo allí.
BRASIL
Brasil, potencia política y económica emergente, también disfruta de una de las cinematografías más fértiles del continente americano.
La muestra de filmes, organizada por la Fundación Autor, que se proyectará en la Academia de Cine del 12 al 14 de noviembre, nos permitirá acercarnos a la vitalidad de su cine.
CONVOCATORIA:
Jueves 12 de noviembre,
Proyección a las 19:30h: FILMEFOBIA de Kiko Goifman (2009/80’)
REPARTO: Thiago Amaral Vitor ÂngeloMarcela Bannitz, Jean-Claude Bernardet, Cris Bierrenbach, Ariel Bogochvol, Luiz Cabral, Ravel Cabral, Tomás Decina.
SINOPSIS: Jean Claude, un director franco- brasileño de 71 años, está rodando un documental sobre el miedo en la sociedad contemporánea. El director escoge personas que tienen fobias y las pone en situaciones que inducen ansiedad porque pretende atrapar con la cámara la imagen más real, la de la gente que se enfrenta a sus miedos más profundos. Sin embrago el director no se queda detrás de la cámara y empieza a instaurar relaciones con sus personajes. El proyecto del documental nunca se acabará. Nos queda una pregunta: ¿qué le pasado a Jean Claude?
Proyección a las 21:30h: BASTA DE AÑORANZA de Laís Bodanzky (2007/95’)
REPARTO: Leonardo Villar, Tônia Carrero, Cássia Kiss, Betty Faria, Stepan Nercessian, Maria Flor, Paulo Vilhena.
SINOPSIS: En la antigua sala de baile "Gafieira", en San Paulo, diferentes personajes se conocen, recuerdan el pasado, viven el presente, se preguntan sobre el futuro, se divierten, ligan, luchan, enseñan su alegría de vivir y, naturalmente, bailan al ritmo pulsante de la música brasileña. Todo en una sola noche.
Viernes 13 de noviembre,
Proyección a las 19:30h: CORAZÓN VAGABUNDO, de Fernando Gronstein Andrade (2009/60’)
REPARTO: Pedro Almodóvar, Michelangelo Antonioni, David Byrne, Caetano Veloso, Gisele Bündchen, Paula Lavigne.
SINOPSIS: El director Fernando Grostein Andrade acompañó con su cámara a Caetano Veloso durante la gira del disco ‘A Foreign Sound’. Presentado como “un viaje musical”, la película retrata parte de la gira que emprendió el celebre cantante brasileño por Estados Unidos y Japón para promocionar un disco que tiene la particularidad de haber sido grabado totalmente en inglés. Entre canciones, reflexiones e intimidades, aparecen celebridades como Michelangelo Antonioni, Pedro Almodóvar y David Byrne.
Proyección a las 21:30h: LA FIESTA DE LA NIÑA MUERTA, de Matheus Nachtergaele (2008/115’)
REPARTO: Jackson Antunes, Juliano Cazarré, Daniel de Oliveira, Paulo José, Cássia Kiss, Dira Paes.
SINOPSIS: La cinta narra la historia de Santinho, que se convierte en líder espiritual de una comunidad de la ribera en el alto Amazonas, tras realizar un “milagro” después que su propia madre se suicidara. La película parece ofrecer el retrato íntimo de los miembros de esta secta, y destaca la capacidad innata del hombre para “crear” fe y buscar un sentido de la vida frente al miedo a la muerte.
Sábado 14 de noviembre,
Proyección a las 19:30h: BASTA DE AÑORANZA, de Laís Bodanzky (2007/95’)
REPARTO: Leonardo Villar, Tônia Carrero, Cássia Kiss, Betty Faria, Stepan Nercessian, Maria Flor, Paulo Vilhena.
SINOPSIS: En una antigua sala de baile, el "Gafieira, en São Paulo, diferentes personajes se conocen, recuerdan el pasado, viven el presente, se preguntan sobre el futuro, se divierten, ligan, luchan, enseñan su alegría de vivir y naturalmente bailan al ritmo pulsante de la música brasileña. Todo en una sola noche.
Proyección a las 21:30h: DICIEMBRE, de Selton Mello (2008/100’)
REPARTO: Leonardo Medeiros, Darlene Glória Mércia, Paulo Guarnieri, Graziela Moretto, Lúcio Mauro, Fabricio Reis, Thelmo Fernandes, Cláudio Mendes.
SINOPSIS: Caio, un hombre de cuarenta años, trabaja en un depósito de chatarra, en el interior del país. Durante la celebración de Navidades regresa a la capital después de permanecer fuera muchos años. Vuelve para visitar a su familia y sus amigos pero, sobretodo, para reencontrarse con un hombre al que no veía desde hace mucho tiempo: él mismo.
Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.
Acaba de nacer mi nuevo blog, en la web de la revista Acción. Se denomina La cueva de Payán, en alusión al lugar en el que trabajo, escribo, leo, dormito, veo películas, escucho música, lanzo dardos contra una diana en la que voy cambiando la cara de la gente que me cae mal a modo de estímulo. La cueva de Payán es por tanto lo mismo que la Payáncueva, de la misma forma que mi blog en Acción está animado por las mismas inquietudes y el mismo espíritu que este blog.
El amigo Andrés Pons nos trae un comentario sobre The Descent 2, interesante secuela a la que tengo ganas de hincarle el diente... nunca mejor dicho.
THE DESCENT 2 2009
DIRECTOR: JON HARRIS
GUIÓN: J.BLAKESON
TERROR
EEUU
INTÉRPRETES: SHAUNA MACDONALD, JOSHUA DALLAS.
SINOPSIS
La superviviente del filme original vuelve a penetrar en la cueva con un equipo en busca de supervivientes.
CRÍTICA
The Descent de Neil Marshall supuso toda una sorpresa inesperada, un terror de enorme eficacia en una historia directa, sin grandes alardes que resultaba efectiva en una contundente descripción de personajes, un grupo de féminas que ante una situación terrible sacaban a relucir sentimientos encontrados entre ellas, demostrando la irrealidad de una falsa amistad.
El filme conseguía brillar en todos los niveles. Desde las interpretaciones, a las cantidades de gore extraordinariamente realizado, la claustrofobia del espacio, creando un rotundo clima de emociones encontradas en una de las grandes obras maestras del cine actual.
Neil Marshall otorga las riendas al debutante aunque montador de la entrega original Jon Harris que vuelven a Contar con la brillante Shauna Mcdonald como gran superviviente que inicia un nuevo descenso a los infiernos en busca de otros humanos atrapados.
La sorpresa ya no es significativa, por eso Harris sabe lo que tiene entre manos y nunca intenta superar lo insuperable, jugando inteligentemente sus cartas ofrece un cóctel de impactante gore muy bien rodado, mucha acción, un poco de humor aligerando el tono dramático del original apostando más por el producto desenfadado.
The Descent 2 no está a la altura, nunca lo busca, sin embargo otorga un entrenamiento de serie b de indudable calidad técnica. Vuelven a brillar los efectos especiales y maquillaje, gran fotografía y unas batallas entre bestias y humanos enormemente efectivas. Sin la trascendencia de Marshall es un estimable producto que da lo que promete.
Lo Mejor: Va al grano y el ritmo no decae.
Lo Peor: Evidentemente la sorpresa es menor y el dibujo de los personajes ya no llega a la notabilidad anterior.
Un 7.
A las buenas, la primera fotillo que les traigo es de la peli El hijo de Frankenstein, y me ha recordado un hospital. Si, un hospital, con su pobre enfermo sufriendo (el monstruo, encarnado por Boris Karloff), un doctor loco y flipado (Basil Rathbone en este caso el vástago del título, que no es hijo del monstruo sino del doctor Victor Frankenstein) y la enfermera, noble papel que en éste caso y sintiéndolo por las enfermeras, recae sobre un Bela Lugosi flipado y con barba. Esto es más o menos lo que se pueden encontrar en unas urgencias de un hospital, yo bien lo sé. Como decía Kurtz, ¡El horror! ¡El horror! (que no sé si lo repetía para que le hicieran más caso o porque era un poco desmemoriado). Me perdonarán ustedes pero recientemente he tenido un familiar ingresado en un hospital de cuyo nombre no quiero acordarme y la verdad, estamos jodidos. Más vale que tengamos salud porque como caigamos en semejante sitio, el laboratorio del doctor Frankenstein nos va a parecer la mansión Playboy. Sí, estamos jodidos y en manos de ineptos, descerebrados, analfabetos funcionales, robaperas sin escrúpulos y demás gentuza. Al final
Verán les voy a contar una anéctoda que tiene que ver con la siguiente ilustración, la honorable bandera de los piratas, conocida como Jolly Roger. Como ustedes comprenderán los piratas eran asesinos, cabrones, borrachos y puteros, pero no eran gilipollas y no llevaban constantemente la bandera cuando iban por ahí navegando. Los piratas atacaban un navío pero lo usual era darle a su capitán la oportunidad de rendirse y evitar el derramamiento de sangre. Si el pavo se negaba, entonces aparecía esta banderita en el palo mayor del barco pirata, lo que venía a decir que no había cuartel, vamos como la cancioncilla esa que tocaban los mejicanos en El Álamo, poéticamente titulada "A degüello". Voy a ver si me confecciono una banderita parecida, pero sustituyendo los sables por dos bastones de nudos, de esos que cuelgan de la pared en algunos bares y en los que se lee "majo, o pagas o bajo" o una frase parecida. Vamos que con tanto impuesto de basuras, subidones del IRPF y el IVA y demás hostias vamos a tener que convertirnos en auténticos hijos de puta peseteros.
La siguiente ilustración es reiteración, está sacada de un juego de rol y es básicamente uno de los personajes habituales de los mismos: el ladrón. Con su saco y su cara de cabrón. En esto quieren convertirnos.
La última es para que se alegren la vista, o ¿pensaban que les iba a dejar sin su ración de jamona? En este caso es Cassandra Peterson, también conocida como Elvira, señora de las tinieblas (un buen par de tinieblas, sí señor), que en esta fotillo aparece disfrazada de la Betty Pajas.
Edmon Roch dirige este thriller documental sobre espías y agentes dobles, secretos y mentiras, memoria y olvido, hecho con fragmentos de películas de Hollywood, material de archivo, entrevistas y efectos digitales, cuya estructura nos fuerza a elegir nuestra particular interpretación sobre la verdad de Juan Pujol. "GARBO. EL ESPÍA" es la delirante historia del español que embaucó a los nazis.
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